Article rédigé par Bianca Raymond — Cheffe du pupitre Arts et culture
Dans une salle de spectacle ou lors d’un festival, la musique ne se limite pas seulement à une simple performance : elle devient souvent une source de partage entre l’artiste et le public. Entre cris, chants et danses, ces instants collectifs permettent de relâcher les tensions quotidiennes et de créer une connexion singulière. Pour certain.e.s artistes, cette énergie partagée se situe au cœur même de leur démarche musicale.
Un lien entre artiste et public
Selon la chanteuse franco-ontarienne Jessy Lindsay, l’énergie qui se crée pendant un spectacle constitue l’une des principales raisons pour lesquelles elle fait de la musique. Sur scène, elle observe comment les émotions circulent entre l’artiste et le public. « À la fin de la journée, on peut se rassembler autour de cette musique » rappelle-t-elle.
Elle évoque notamment un spectacle donné à la Place TD devant près de 9000 élèves, au cours duquel elle reprenait en chœur un passage d’une de ses chansons produisant un son de « oh ». Pour Lindsay, ce type de moment démontre pleinement la force de la musique comme expérience collective.
Pour l’artiste, ces réactions témoignent du fait que la musique peut dépasser rapidement la simple performance. Lorsque la foule reprend un refrain ou réagit à une chanson, elle n’est plus la seule à porter le moment : la salle entière participe à l’expérience. Selon elle, cette énergie collective transforme chaque spectacle en une expérience unique, où les émotions circulent librement entre la scène et le public.
Le rappeur King H 509 partage également cette perspective. Pour lui, cette libération se prolonge sur scène, où les émotions individuelles se transforment en une expérience collective. Voir un public réagir à ses chansons donne naissance à des moments particulièrement marquants.
Selon Lindsay, ces instants permettent au public de ressentir des émotions semblables et de partager une expérience commune : « Ce sont des moments où je me sens vraiment connectée avec le public, où j’interagis avec lui. Il y a un véritable échange entre artistes et spectateur.rice.s. »
La musique comme défoulement personnel
Pour plusieurs artistes, la musique agit aussi comme une forme d’exutoire personnel. Selon le rappeur King H 509, l’écriture et la performance musicale permettent d’exprimer des émotions parfois difficiles à verbaliser autrement. « Avant tout, c’est une thérapie pour ma santé mentale et mon bien-être. J’écris pour me soigner, pour comprendre et digérer mes émotions » affirme-t-il.
S’il considère que « la composition est l’art de s’exprimer en touchant les gens avec sa plume », le chanteur souligne également que le rap offre une plus grande liberté d’expression que certains autres styles musicaux. Ce genre permet, selon lui, de « mieux peindre, illustrer et décrire des émotions », facilitant ainsi l’identification du public aux textes.
« La musique dépasse l’artiste et touche directement l’âme des gens. C’est comme si chaque note devenait un pont invisible entre mon histoire et le cœur du public. »
— King H 509 —
Il ajoute que le fait de crier, de chanter et de danser demeure une manière concrète de relâcher le stress et les frustrations. Lorsqu’il écrit ou qu’il monte sur scène, cette énergie devient positive, et peut, par la même occasion, aider certaines personnes à se sentir comprises.
Des moments de rassemblement
Au-delà de l’émotion individuelle, la musique peut aussi jouer un rôle dans la création d’un sentiment de communauté. Dans certains événements, les chansons deviennent des moments de rassemblement.
King H 509 évoque notamment une performance au Cinq-Zéro, où des milliers de spectateur.rice.s reprenaient en chœur sa chanson Franco. « À ce moment-là, j’ai compris que Franco ne nous appartenait même plus vraiment… elle appartient maintenant aux francophones », raconte-il. Selon lui, ce moment a créé une véritable magie sur scène, de la même manière que le public a amené un univers de feu à l’aréna.
Pour le rappeur, la musique est synonyme de vie, de révolution et d’événement, parce qu’elle a toujours été présente au sein de la francophonie. « Elle porte nos histoires, nos luttes et nos célébrations. C’est, selon moi, l’un des outils majeurs de la francophonie, car elle encourage nos jeunes à vivre et à s’exprimer en français » rappelle-t-il.
Une libération partagée
Pour Lindsay, ces moments collectifs permettent aussi au public de vivre une forme de libération. Elle espère que les spectateur.rice.s repartent de ses concerts avec un sentiment de légèreté, de joie et de renouveau. « J’aimerais qu’iels ressentent une vague de fraîcheur, qu’iels puissent se déhancher un peu et voir la vie sous une perspective plus légère », explique-t-elle.
Selon Jessy Lindsay, la musique permet de suspendre le quotidien et d’ouvrir un espace où les émotions peuvent s’exprimer librement, tandis que King H 509 souligne qu’elle dépasse le simple récit pour devenir un lieu de reconnaissance et de partage. Ensemble, leurs perspectives montrent que, qu’il s’agisse de chanter, de danser ou d’écouter, le public participe activement à une expérience collective où chacun·e peut relâcher la pression, se reconnaître et se sentir compris.e.